Una de las primeras obras de David Hockney, fallecido a los 88 años, muestra a una pareja abrazada. Pintada en 1961, la obra "We Two Boys Together Clinging" podría parecer una escena romántica tradicional, pero en la época era un acto de rebeldía. La pareja representada eran dos hombres, y en el Reino Unido de 1961, ser homosexual era ilegal.
La homosexualidad solo se despenalizó parcialmente en 1967, permitiendo relaciones sexuales entre hombres mayores de 21 años "en privado". La pintura de Hockney, inspirada en un poema de Walt Whitman, fue una declaración temprana de intenciones de un artista que se convertiría en un referente de la cultura británica y LGTBI+.
Durante la década siguiente, Hockney continuó rompiendo tabúes sociales al celebrar las relaciones homosexuales en su arte, a menudo retratando la vida cotidiana y doméstica de las parejas del mismo sexo. Sus primeras obras, con trazos audaces y colores vivos, tenían una cualidad subterránea, casi como grafitis, desafiantes y expresivas.
"Fue realmente pionero al mostrarse orgulloso de su homosexualidad antes de la legalización", afirma Dominic James Bilton, codirector de la Queer British Art Network. Hockney "mostró relaciones, deseo y sexualidad entre personas del mismo sexo" en un momento en que "poca gente lo hacía".
El estilo de Hockney dio un giro radical tras su primer viaje a California en 1964, donde pintó sus icónicas escenas de piscinas. Obras como "Peter Getting Out of Nick's Pool" (1966) o "Domestic Scene, Los Angeles" (1963), que retrata a dos hombres en un baño, son descritas por Bilton como "cuir, sensuales, sexis, juguetonas y alegres", pero también muestran la "domesticidad" y los "aspectos cotidianos de las relaciones homosexuales".
Bilton sugiere que Hockney estaba "normalizando las relaciones homosexuales", mostrando que las personas LGTBI+ "son gente normal… haciendo cosas normales, mirando a sus parejas y pensando: 'oh, eres precioso'". Para Joe Thomas, un admirador de toda la vida, la obra de Hockney transmite una sensación de "paz y libertad", capturando la esencia de un "paraíso gay, tranquilo y hermoso" en los años 60.
El curador James Marshall subraya la importancia de no olvidar el contexto histórico de estas obras. "Para muchos jóvenes LGTBI+ hoy en día, sus cuadros pueden parecer simplemente bonitos", explica, "pero eran un fuerte acto de protesta en una época en que se evitaba normalizar o domesticar las vidas queer". En los años 60, la cultura popular solía retratar a los hombres homosexuales de forma estereotipada o aislada, mientras que Hockney ofrecía "una historia alternativa de la homosexualidad", más pacífica y cotidiana.
El crítico Michael Valinsky señala que es difícil hoy en día apreciar el "factor sorpresa" que tuvieron las obras de Hockney en los museos de las décadas de 1960, 70 y 80. Sus pinturas ofrecieron nuevas formas visuales de abordar la homosexualidad, ayudando a "la causa" sin necesidad de nombrarla explícitamente.
Para el crítico de arte Will Gompertz, la obra de Hockney ha sido "siempre radical". Incluso en sus trabajos posteriores, su arte celebra la vida y la belleza en un mundo cínico, desafiando la idea de que la alegría es superficial. Gompertz destaca que su obra "siempre tiene un filo", ya sea al retratar el amor homosexual en tiempos de ilegalidad o al reflexionar sobre nuestra desconexión con la naturaleza.
En sus trabajos más recientes, Hockney ha explorado la relación del ser humano con la tecnología y "reinventado el paisaje para el siglo XXI". Gompertz concluye que cada etapa de la carrera de Hockney ha sido "igual de audaz", y que el artista se ha mantenido fiel a su carácter "reflexivo, audaz, curioso y colorido" desde su juventud hasta el final de su vida.
Mənbə: BBC News
